Главная » Роддом » Натюрморты известных художников маслом эпохи ренессанса. Праздник изобилия

Натюрморты известных художников маслом эпохи ренессанса. Праздник изобилия

Тогда очень многим понравился, да и мне работы художников кажутся отличным наглядным пособием в процессе изучения сочетаний цветов. Собственно, зачем изобретать велосипед, если великие мастера уже давно изучили принципы гармонии, сочетаний оттенков и активно использовали их при написании картин. Я планирую написать серию постов на тему и буду опираться на книгу Иттена "Искусство цвета".

Часто проблема с сочетаниями цветов идет от того, что нам не хватает насмотренности и глаз не натренирован видеть удачные сочетания, накладываются определенные стереотипы, от незнания не хватает смелости и уверенности в подборе цветов. Будем с этим бороться:)

Иттен в своей работе по цвету проводит нас через самые значимые эпохи в становлении искусства и работы с цветом и приводит в пример великих художников. И сегодня мы начнем с художников эпохи Возрождения. Ян ван Эйк, Пьеро делла Франческа, Леонардо да Винчи, Тициан, Грюневальд.

"Ян ван Эйк начал создавать картины, композиционную основы которых определяли собственно цвета изображенных людей и предметов. Через блеклость и чистоту, осветленность и затемненность этих цветов звучание картины все более приближалось к реалистически подобному. Цвет становился средством передачи естественности вещей."

"Портрет четы Арнольфини" выполнен в приглушенных теплых тонах темной Осени

"Гентский алтарь" написан теплыми красками, но цвета уже более ясные и чистые, ближе к весенним

"Пьеро делла Франческа писал людей, резко очерчивая фигуры отчетливыми экспрессивными красками, используя при этом дополнительные цвета, которые обеспечивали картинам живописное равновесие."

"Портрет Федериго да Монтефельтро и Баттисты Сфорца" тоже выполнен в теплой гамме, в цветах Осени

"Алтарь Монтефельтро": очень красивое сочетание цветов, мягкие оттенки, весенне-летняя гамма.

Получается сочетание трех базовых тонов и двух акцентных:

"Леонардо да Винчи отказался от яркой красочности. Он строил свои картины на бесконечно тонких тональных переходах."

"Мона Лиза"

"Поклонение волхвов"

"Тициан стал стремиться к живописным модуляциям холодного и теплого, блеклого и насыщенного."

"Красавица"

"Цветовая характеристика его поздних картин формировалась им, исходя из различных темных и светлых оттенков одного цвета."

"Коронование терновым венцом". Жизнерадостная такая картина и по теме, и по цветам. Самое то в ноябре:))

Но зато очень хорошо видно цветовые переходы в рамках одного цвета.

"Грюневальд противопоставлял один цвет другому. Из так называемой объективно существующей цветовой субстанции он умел находить свой цвет для каждого мотива картины."

"Изенгеймский алтарь"

В рамках одной работы Грюневальд использовал различные цветовые гаммы и жертвовал общей гармонией ради передачи смысла отдельных частей произведения.

Остается сделать вывод, что если вы Осень, то вам стоит посмотреть и другие работы художников эпохи Возрождения:)

В конце эпохи возрождения в северной Европе натюрморт из декоративного жанра превратился в философское высказывание в красках

XVI-XVIII века — золотое время в истории европейского натюрморта. В те годы существовали две основные художественные школы, специализировавшиеся на изображении цветов, фруктов и предметов, — фламандская и голландская, — на которые ориентировались мастера из остальных стран. Несмотря на то, что Фландрия (Бельгия) и Голландия были соседними государствами, их живописцы вкладывали разный смысл в отображение «мертвой природы» (так называли натюрморт во Фландрии), или «тихой жизни» (так именовали его в Нидерландах).

Главная цель голландских мастеров — выразить идею «суеты сует», бренности всего сущего, близости смерти. Эти темы наиболее волновали протестантских богословов. Поэтому на натюрмортах голландских художников мы часто встречаем череп, погасшую свечу, остановившиеся часы. Все это обрамляется маками — символами вечного сна, нарциссами — символами быстротечности жизни, фиалками — символами недолговечности красоты, и т. п.

Во Фландрии все было наоборот. В отличие от протестантских Нидерландов Бельгия переживала католическое возрождение, и задачей, достойной художника, представлялось не отрицание, а утверждение, прославление Божественного творения. Как сказал немецкий мистик Парацельс: «В словах, растениях и камнях — везде Бог». Поэтому фламандский натюрморт — это праздник жизни, торжество совершенной природы. Виртуозом этого жанра считается Франс Снейдерс, коллега и товарищ Рубенса. В 1618- 1621 годах он написал четыре полотна под общим названием «Лавки»: «Лавка рыбы», «Лавка дичи» (битой птицы), «Лавка овощей» и «Лавка фруктов», которые сейчас хранятся в Эрмитаже. По словам сотрудницы музея кандидата искусствоведения Ольги Прохоровой, это энциклопедия фламандского натюрморта с его основными аллегорическими темами — «Времена года», «Пять чувств» (вкус, слух, обоняние, осязание, зрение) и «Четыре стихии» (воздух, вода, огонь, земля). Наиболее богата символами «Лавка фруктов». «Вокруг света» расшифровывает их.

Лавочница и дама По словам Ольги Прохоровой, их фигуры олицетворяют собой мирную жизнь (на других картинах цикла эту роль выполняют пашущий крестьянин и пристань).
(1) Рука с абрикосом Символизирует осязание.
Абрикос Символ самодостаточности (это самоопыляющееся дерево).
(2) Весы «Как любой выкованный предмет, — говорит Ольга Прохорова, — они символизируют огонь (в то время как рыба символизирует воду, битая птица — воздух и корнеплоды — землю)».
(3) Смоква Символ щедрости (она дает очень обильные плоды).
(4) Лающая собака «Символ слуха (ухо воспринимает лай), — говорит Ольга Прохорова. — На других картинах Снейдерса мы встречаем еще символы вкуса (мясо, рыба) и обоняния (собака, нюхающая дичь)».
(5) Обезьяна Символизирует вкус.
(6) Шишки пинии (итальянской сосны). Символ надежды на счастье в вечности (пиния — вечнозеленое дерево).
(7) Спаржа Символ миролюбия (в Средние века она применялась как успокоительное средство).
(8) Белка Символ упорного труда, потребовавшегося, чтобы вырастить это изобилие.
(9) Артишок Символ земной любви (считалось, что он помогает забеременеть).

Фрукты Символ лета (травы были символами весны, дичь — осени, а рыба — зимы; они изображены на остальных трех картинах из цикла Снейдерса).
(10) Лимон Символ верности и любви (он плодоносит в течение всего года).
(11) Гранат Символ Вселенской церкви (она объединяет столь же много людей, сколь много зерен в плодах граната).
(12) Апельсин Символ чистоты и невинности (его белые цветы часто украшают Богородицу).
(13) Ежевика Символ чистоты Девы Марии. «Считается, — говорит Ольга Прохорова, — что Неопалимая Купина, явившаяся Моисею и выступающая как прообраз материнства и девства Богородицы, была ежевикой. Поэтому про Богородицу говорили: «Она породила пламя Божественной любви, не сгорев от вожделения».
(14) Малина Символ доброты (святой Мартин кормил малиной нищих).
(15) Яблоко Символ спасения и искупления (в этом качестве оно часто изображалось в Средние века в руках младенца Иисуса).
(16) Виноград Символ Христа («Я есмь истинная виноградная лоза, а Отец Мой — виноградарь», Ин. 15:1).
(17) Вишня Символ крови Иисуса.
(18) Слива Считалась символом верности, но принимала дополнительные значения в зависимости от цвета. Темная фиолетовая слива указывает на страдания и смерть Христа, желтая — на чистоту Иисуса, красная представляет собой символ его милосердия, белая говорит о его смирении.
(19) Черешня Символ райской благодати.
(20) Тыква Символ воскресения и спасения (согласно Библии, тыква выросла по воле Бога, чтобы дать тень пророку Ионе).
(21) Груша Символ сладости добродетели.
(22) Персик Символ Троицы (он состоит из трех частей: плод, косточка и ядро косточки).

Возрождение в эпоху Возрождения.

В эпоху Ренессанса (XIV--XVI в.) наступает период возрождения искусства цветов.
Богатый материал цветочной композиции представлен на полотнах старых мастеров живописи. В алтарных композициях XV в. довольно часто мы можем увидеть изображение вазы с цветами. В это время натюрморт "ваза - цветы" был принят в религиозной тематике. В картинах Ганса Мемлинга (1433--1494 гг.) на религиозные темы часто изображались цветы в вазах -- ирисы, лилии, аранжировочная зелень. Белые лилии символизировали девственную чистоту девы Марии, ирис -- Марию Царицу небесную. Изображение на вазе креста с монограммой Иисуса Христа служит символом Святого духа.

Большой интерес для аранжировщиков цветов представляют натюрморты голландской школы XV--XVI вв. и более поздней отечественной школы.
Цветы компоновали в свободном стиле или в форме каскада ниспадающих линий. Хотя на первый взгляд создается впечатление определенной хаотичности в построении цветочной композиции, но при более внимательном рассмотрении работы покоряют гармоничностью линий, пропорциональностью и цветом. В букет входили от 30 до 40 видов различных растений: маки, ирисы, лилии, розы, тюльпаны, гвоздики, пионы, анютины глазки, ипомея, цветы картофеля, злаки и многие другие.

Компоновка изобразительных элементов позволяла включать в натюрморт фрукты, овощи, чучела птиц, засушенных бабочек и насекомых.
Наиболее характерны натюрморты Яна Ван Хейсума "Цветы", Абрахама Миньона "Плоды", Яна Давиде де Хема "Фрукты и ваза с цветами" и более поздние работы отечественных мастеров Ф. П. Толстого "Букет цветов, бабочка и птичка", И. Ф. Хруцкого "Натюрморт с цветами" и др.
Историческое развитие человека тесно связано с развитием среды обитания, традициями, религиозными обрядами и, наконец, модой. Желание украсить себя появилось у человека раньше, чем желание изобрести одежду. По мере цивилизации общества унифицировались стили одежды, различные средства и материалы украшений. Цветы, одно из самых древних модных украшений, прошедшее через века, очень популярно и в наши дни.

В XIV в. в Западной Европе распространилась мода на ароматы. Поэтому цветам отводилась роль не только украшения туалета дамы, но и источника аромата. Бутоньерки из ароматных мелкоцветных растений прикрепляли к прическе, корсажу, декольте и шляпе.
Мужчины вдевали цветок в петлицу. Мода быстро охватила европейские страны. В конце XV -- начале XVI вв. в Европу начался приток всевозможных экзотических растений, в том числе тропических. Мореплаватели привозили из далеких стран удивительные экзотические растения, покорившие европейцев необычной формой, цветом и изяществом -- это были орхидеи. Причудливые с приятным утонченным запахом, обладающие высокими декоративными достоинствами, орхидеи сразу же были оценены европейцами, полюбили за то, что они не походили на живые цветы, а были, как бы сделаны из шелка и атласа.
XVI в. в истории аранжировки цветов характерен еще и тем, букет стал не только украшением интерьера, но и обрел качество подарка. Он представляет собой свободно собранную связку цветов и должен обладать определенной символикой, а также выражать чувство дарящего. В эпоху Возрождения выработался взгляд законы и роль композиции в искусстве.
Это можно проследить по стилю Готики, когда художники придерживались стиля простого компонирования, где каждая часть произведения была в одинаковой мере подчеркнута.
На искусстве цветочной композиции отразились и различные стилевые направления архитектуры и живописи. Так, Готический стиль и поздний Ренессанс заложили определенную основу формирующейся структуры аранжировки цветов, позднее нашедшие широкое конструктивное применение, как в букете, так и в цветочной композиции. Готический художественный стиль, распространившийся в позднем средневековье по всей Западной Европе, характеризуется подчиненностью архитектурных форм вертикальному ритму.
Вертикальная опорная линия и в современном искусстве аранжировки цветов составляет основу прямостоящей структуры, выражает динамику, стремление.

Эпоха Возрождения породила жизнеутверждающее мировоззрение, а стиль Ренессанса, воспринявший элементы греко-римской архитектуры, превалировал к обобщенному монументальному образцу, к пластической выразительности объемов.
В отличие от Готики, художники Ренессанса подчиняют отдельные части и элементы произведения главному, чем создают органическую и закономерную связь всей композиции. В цветочных композициях позднего Ренессанса в стиле классицизма заметна монументальность формы с массовым цветочным наполнением, зеленью. Цветы крупноцветные с полностью раскрытыми бутонами. Вазы из фарфора, мрамора, золоченой бронзы.
Пришедший на смену новый художественный стиль Барокко (конец XVI -- середина XVIII вв.), прославивший знать и церковь, отличался особой вычурностью и живописностью.
Прогрессивность стиля заключалась в совершенно новом представлении о безграничном многообразии мира, его вечной изменчивости, взаимосвязи человека и природы. Стиль поражал воображение человека богатой декоративностью и изяществом форм. Интерьер отличался богатой пышностью, позолотой, лепкой, скульптурой. Композиции из срезанных цветов, выполненные в стиле Барокко, представляли непременный элемент оформления богатых дворцов и светских салонов. Такие композиции обладали декоративным эффектом, виртуозностью динамичной линии.
Отражая понятие об изменчивости мира, садовники-живописцы вводят в них растения с различной степенью раскрытия бутонов. Цветочными композициями подчеркивалась световая и теневая сторона, и устанавливались они в вазы из великолепного фарфора, украшенные изысканной росписью и позолотой.

В новом стиле Рококо (XVII -- середина XVIII вв.) отразились тенденции своей эпохи. Стилистическое направление связано с придворной аристократической культурой и характеризуется изысканной отделкой помещений. Оформлению интерьера присуща камерность. Цветы в интерьере воспринимаются успокаивающе. Главное требование к цветочной композиции -- утонченная декоративность, изящество формы, воздушность. Направление линий тяготеет к асимметрии. Вазы из фарфора -- важная составная часть композиции, часто в форме раковин.
Определенный вклад в развитие искусства цветов внес английский художник и гравер Уильям Хогарт. Его "линия красоты" также изящна и свежа, продолжает вдохновлять флористов и радовать поклонников искусства.
В эпоху Рококо мода украшения цветами дамского туалета и прически достигла совершенства и определенного "драматизма". Цветы вместе с лентами украшали бальные платья, шляпы.
Согласно английской моде (1796г.), такое украшение было в виде гирлянды из живых или искусственных цветов. В этот период прическа достигает фантастических размеров и форм. Локоны завивались и укладывались в форме раковин и все это сооружение украшалось бутоньеркой, небольшой гирляндой из цветов, перьями и драгоценностями.
Вот что рассказывает в своих мемуарах знатная дама:
"Несколько плоских бутылочек, округленных и приспособленных к форме головы, в которые наливается немного воды, и вставляются живые цветы на стеблях. Не всегда это удавалось, но если уж это удавалось, то выглядело очень красиво. Весна на голове среди белоснежной пудры производила чарующее впечатление". Мода, заимствованная на Западе, получила широкое распространение и в России. Во Франции и Германии возникают многочисленные мастерские, изготавливающие искусственные цветы и фрукты как наиболее модное дополнение к одежде.

Натюрморт с фруктами и посудой

Художник Виллем ван Алст (Willem van Aelst) родился в мае 1627 года в городе Утрехте или Дельфте.

Willem van Aelst изучал основы живописи у своего дяди, известного художника Эверта ван Алста. В ноябре 1643 года молодой художник был принят в Делфтскую гильдию художников Святого Луки.

Четыре года, с 1845 по 1649 годы, художник жил и работал во Франции, а затем ещё семь лет в Италии. Во Флоренции Виллем ван Алст выполнил достаточно много работ по заказам великого герцога Тосканского Фердинанда II Медичи.

После возвращения на родину художник поселился в Амстердаме, обустроил мастерскую и принял учеников, среди которых сегодня можно вспомнить Рашель Рюйш и Марию ван Остервейк.

Виллем ван Алст ещё при жизни был признан выдающимся мастером натюрморта, который великолепно владел цветом, а с особым успехом писал ткани, птичьи перья, металлы и т.п. В его натюрмортах часто встречается изысканный синий бархат. Художник использует безумно дорогой лазуритовый пигмент. Этот ингредиент завозился из далекого Китая и его использование существенно повышало стоимость картин автора. Зато как играет синий цвет в натюрмортах.

Умер живописец в 1683 году. Похоронен в Амстердаме.

В наше время работы великого художника можно увидеть в крупнейших музеях и картинных галереях мира.