Живопись 17 века художники и картины. Реферат Русские художники XVII века
Содержание
Введение
1.1. Рембрант Харменс ван Рейн
- величайший голландский художник XVII
века
1.2. Рубенс Питер Пауль
1.3. Французский живописец
Пуссен Никола
Глава II Русские художники XVII
века
2.1. Зубов Алексей Федорович (1682- 1750)
2.2. Никитин Иван Никитич
(1680-1742)
Заключение
Список литературы
Введение
Живопись 17 века развивалась под влиянием
стиля барокко, который главенствовал
в европейском искусстве до середины 18
века. Новая философия мира, которая заключалась
в измененных суждениях о единстве, многообразии
и безграничности мира, оказала большое
влияние на мировоззрение художников
того времени. Пышность и динамика, интенсивность
чувств и патетичность, эффектность, реальность
и иллюзорность, контрасты и игра света
отличают живопись этого периода.
Семнадцатый век во многом имел значение
в формировании национальных культур
нового времени. В это время был
завершён процесс локализации художественных
школ, многообразие которых в основном
определялось условиями исторического
развития и сложившимися традициями
в каждой конкретной стране. Русские
художники 17 века в основном занимались
иконописью. Испанские художники 17
века были сформированы под идеологией
монашеских орденов, поэтому основные
заказы на произведения искусства были
из духовной сферы. Итальянские художники
17 века, пристально изучали различные
науки: естествознания, перспективу, анатомию
и другие. Они изображали на картинах
религиозные сцены как светские.
В эпизодах научились передавать
характер и раскрывать глубокие переживания
человека. Взглянув на «Распятие» написанное
Андреа Мантеньи. Голландские художники
17 века отличались тем, что у них
преобладали практически все
виды живописи. Эта профессия была
далеко не редкой, среди первых художников
была серьёзная конкуренция. В Голландии
картины художников 17 века украшали
дома не только богатых представителей
общества, но и обычных ремесленников
и крестьян.
Глава I Зарубежные художники
XVII века
1.1.Рембрант Харменс ван
Рейн - величайший голландский художник
XVII века
Творчество голландского
художника Рембрандта Харменса Ван
Рейна (1606-1669) - одна из вершин мировой
реалистической живописи. Рембрандт
писал картины на исторические, библейские,
мифологические и бытовые темы, портреты
и пейзажи. Он был крупнейшим в
Европе мастером рисунка и офорта.
Для его творчества характерно стремление
к философскому осмыслению жизни, честность
к себе и людям, интерес к духовному
миру человека. Нравственная оценка событий
и человека - основной нерв искусства
мастера. Одухотворенность модели и
драматизм события художник великолепно
передавал через эффекты светотени,
когда пространство словно тонет
в тени, в золотистых сумерках, а
луч света выделяет отдельные
фигуры людей, их лица, жесты и движения.
В этом методе живописного построения
картины Рембрандту не было и нет
равных (один лишь только итальянец
Караваджо может соперничать
с ним по мастерству использования
светотени). Как это часто бывает
в истории искусства, не смотря на
свой гениальный талант, Рембрандт
умер в бедности и одиночестве, забытым,
никому не нужным мастером. Но работы его
живут в веках, так что можно
без преувеличения сказать, что
Рембрандт - один из самых величайших
художников в истории мирового искусства.
Многие назвали бы его непревзойденным
живописцем, даже гораздо более великим
чем Рафаэль или Леонардо. Его
творчество, казалось бы, сковывали
традиции и догмы голландского протестантского
искусства, ведь он никогда не выезжал
за пределы Голландии. И все же
Рембрант не только восхищает блестящей
техникой живописи, но и являет своим
творчеством откровение: никто прежде
не рассказывал о простых человеческих
чувствах столь глубоко, нежно, интересно
и проникновенно. В своих исторических
и библейских сценах, в своих портретах
современников он достигает глубин
психологической выразительности.
Его мудрость, сострадание и проницательность,
скорее всего, являются следствием самопознания:
много раз, как никто другой, писал
он автопортреты и запечатлел свой
жизненный путь, начиная с поры
молодости и успеха и кончая старостью,
принесшей горести и лишения.
В настоящий момент известно более
ста автопортретов Рембрандта, каждый
из которых является удивительным шедевром.
Благодаря удачно сложившимся историческим
обстоятельствам, Россия сейчас обладает
одной из самых богатых коллекций
картин Рембрандта. Почти все они
хранятся в Государственном Эрмитаже
в Санкт-Петербурге, включая такие
прославленные шедевры, как "Возвращение
блудного сына", "Даная", "Портрет
Саскии в образе Флоры", "Портрет
старика в красном", "Давид
и Урия" и др. На картинах Рембранта
из Эрмитажа училось не одно поколение
русских художников. Если же у вас
нет возможности посетить Государственный
Эрмитаж, то приглашаем вас в нашу
виртуальную галерею картин Рембранта.
Здесь вы можете увидеть практически
все знаменитые шедевры мастера,
ко многим из которых даны развернутые
описания. Приятного путешествия в пленительный
мир удивительного художника и чуткого
человека - Рембрандта.
1.2. Питер Пауль Рубенс
Питер Пауль Рубенс (Peter Paul
Rubens), 1577–1640 гг. - фламандский художник и дипломат.
Родился в Зигене в Вестфалии 28 июня 1577
г. в семье Яна Рубенса, антверпенского
юриста. Когда Питеру Паулю Рубенсу было
одиннадцать лет, его отец умер, а мать
переехала с детьми в Антверпен. Будущий
художник получил образование в школе
иезуитов. Способности к языкам (он говорил
на шести языках) позволили ему не только
освоить культурное наследие своей эпохи,
но и достичь значительных успехов на
дипломатическом поприще. Рубенс учился
у трех фламандских живописцев – Тобиаса
Верхахта, Адама ван Норта и Отто ван Вена.
В 1598 г. он был принят в гильдию св. Луки.
В 1600 г. художник приехал в Италию; там
он изучал античную архитектуру и скульптуру,
итальянскую живопись, а также писал портреты
(в основном в Генуе) и алтарные образы
(в Риме и Мантуе). В 1603 г. итальянский покровитель
Рубенса Виченцо Гонзага послал его в
Испанию в составе дипломатической миссии.
В 1608 г. Рубенс стал придворным живописцем
Изабеллы Австрийской, поселился в Антверпене
и в 1609 г. женился на аристократке Изабелле
Брант. От этого брака родилось трое детей.
Чтобы удовлетворить растущий спрос на
свои картины, Рубенс за несколько лет
создал большую мастерскую, где работали А. ван Дейк, Якоб Йорданс и Ф. Снейдерс. Он выполнял эскизы,
которые его ученики и помощники переносили
на холст, а затем, по окончании работы,
слегка подправлял картины. Он даже организовал
гравировальную школу, чтобы еще шире
распространять свои работы. Картины Рубенса
этих лет полны страстной динамики. Среди
сюжетов преобладают сцены охоты, битвы,
яркие и драматичные евангельские эпизоды
и сцены из жизни святых, аллегорические
и мифологические композиции; в них Рубенс
с удовольствием писал энергичные, мощные
тела, так нравившиеся его современникам.
Кроме заказов, поступавших от местных
церквей и антверпенских аристократов,
художник получал заказы из-за границы,
в основном из Англии. Большая мастерская,
здание которой он спроектировал в стиле
генуэзского палаццо (восстановлено в
1937–1946), вскоре стала общественным центром
и достопримечательностью Антверпена.
В 1620-е годы Рубенс работал для французского
королевского дома. Он написал для Марии
Медичи цикл аллегорических панно на сюжеты
из ее жизни и выполнил картоны для гобеленов
по заказу Людовика XIII, а также начал цикл
композиций с эпизодами из жизни французского
короля Генриха IV Наваррского, так и оставшийся
незавершенным. С начала 1620-х годов Рубенс
вел активную дипломатическую деятельность.
В 1628 и 1630 гг. Рубенс ездил в Мадрид и Лондон
с дипломатическими поручениями и участвовал
в заключении мирного договора между Испанией,
Англией и Голландией. Вернувшись в Антверпен,
Рубенс был встречен с большими почестями;
испанский король пожаловал ему титул
государственного советника, а английский
король – личное дворянство. Вскоре Рубенс
женился на шестнадцатилетней Елене Фоурмен;
у них было пятеро детей. В эти годы стиль
Рубенса изменился – композиции строятся
в свободном и плавном ритме, характерная
для раннего периода творчества жесткая
скульптурная трактовка форм сменяется
более легкой и воздушной цветовой моделировкой.
В них можно заметить влияние произведений Тициана, которые Рубенс копировал во
время пребывания в Мадриде. Несмотря
на то, что у него много времени отнимала
работа над большими декоративными композициями
и сооружениями (роспись плафона в банкетном
зале во дворце Уайтхолл в Лондоне; триумфальные
арки в честь въезда в Антверпен инфанта
Фердинанда; украшение охотничьего замка
Торре де ла Парада), Рубенс успевал писать
также более камерные, лирические произведения.
Среди них следует назвать портрет "Елены
Фоурмен Шубка" (ок. 1638–1640, Вена, Художественно-исторический
музей), "Кермесса" (ок. 1635–1636, Лувр), и особенно несколько сияющих,
ярко освещенных пейзажей, созданных в
последние пять лет жизни в загородном
поместье близ Мехлина. Умер Рубенс 30 мая
1640 г.
В своих произведениях
Рубенсу удалось достичь того,
к чему стремились три предыдущих
поколения художников Фландрии: соединения
фламандского реализма с классической
традицией, возрожденной итальянским
Ренессансом. Художник был наделен
огромной творческой энергией и неистощимым
воображением; черпая вдохновение из
самых разных источников, он создал
свой неповторимый стиль. Для выполненных
им алтарных образов характерны чувственность
и эмоциональность; украшая замки
аристократии эпохи зарождающегося
абсолютизма, он способствовал распространению
стиля барокко – художественного
языка не только Контрреформации, но
и светской культуры этого времени.
1.3. Французский
живописец Пуссен Никола
Родился в 1594 в Лез-Андели
в Нормандии. Первым учителем Пуссена
стал Кантен Варен из Амьена, который
в 1611–1612 жил в Лез-Андели. В 1612 Пуссен
приехал в Париж, где Александр
Кутуа, камердинер короля, предоставил
молодому художнику возможность
посещать королевскую коллекцию
живописи; там он впервые увидел
произведения Рафаэля и мастеров
его школы. В Париже Пуссен познакомился
с поэтом Джованни Баттиста Марино,
для которого впоследствии выполнил
прекрасную серию рисунков на сюжеты
из Овидия, Вергилия и Тита Ливия, хранящуюся
сейчас в Виндзорском замке.
Весной 1624 художник приехал
в Рим и поселился там на всю оставшуюся
жизнь. В 1640, когда слава Пуссена достигла,
наконец, его родины, он получил приглашение
Людовика XIII и был вынужден на некоторое
время вернуться в Париж. В Париже Пуссен
создал такие произведения, как Евхаристия,
Чудо св. Франциска Ксаверия (обе в Лувре)
и Время спасает Истину от посягательств
Зависти и Раздора (Лили, Музей изящных
искусств). Последняя была написана по
заказу кардинала Ришелье и предназначалась
для украшения плафона. Известно, что жизнь
при королевском дворе тяготила Пуссена,
и в 1642 он вернулся в Рим.
Главными источниками живописи
Пуссена являются произведения классической
античности и итальянского Ренессанса.
Многочисленные рисунки свидетельствуют
о его огромном интересе к памятникам
Древнего Рима. Ему принадлежит множество
зарисовок античных рельефов, статуй и
саркофагов. Однако классические мотивы,
столь многочисленные в произведениях
Пуссена, почти всегда изменены и переработаны
им в соответствии с его собственными
художественными задачами. Из произведений
мастеров итальянского Возрождения наиболее
сильное воздействие на художника оказала
живопись Рафаэля и Тициана. В поздних
работах Аполлон и Дафна (ок. 1664) и серии
из четырех картин Времена года (1660–1664,
все в Лувре) Пуссен обращается к лирическим
мотивам; эти произведения богаче по композиции
и тоньше по технике исполнения, нежели
чисто романтические полотна раннего
периода. Серия Времена года с библейскими
сценами Рай (Весна), Руфь (Лето), Исход
(Осень) и Потоп (Зима) принадлежит к числу
лучших пейзажей Пуссена.
Пуссен создаёт произведения,
предвосхищающие суровую гражданственность
позднего классицизма ("Смерть Германика",
около 1628, институт искусств, Миннеаполис),
полотна в духе барокко ("Мученичество
свыше Эразма", около 1628-1629, Ватиканская
пинакотека), просветленно-поэтичные
картины на мифологические и литературные
темы, отмеченные особой активностью
цветового строя, близкого традициям
венецианской школы. ("Спящая Венера",
Картинная галерея, Дрезден; "Нарцисс
и Эхо", Лувр, Париж; "Ринальдо и
Армида", Музей изобразительных
искусств им. А. С. Пушкина, Москва; все
три - около 1625-1627; "Царство Флоры",
около 1631-1632, Картинная галерея, Дрезден;
"Танкред и Эрминия"). Более
четко классицистические принципы
Пуссена выявляются в полотнах 2-й
половины 30-х годов. ("Похищение
сабинянок", 2-й вариант, около 1635;
"Израильтяне, собирающие манну",
около 1637-1639; обе - в Лувре, Париж). Царящий
в этих произведениях чеканный композиционный
ритм воспринимается как непосредственное
отражение разумного начала, умеряющего
низменные порывы и придающего величие
благородным поступкам человека.
В 1640-1642 годах Никола Пуссен работает в
Париже при дворе Людовика XIII ("Время
спасает Истину от посягательств Зависти
и Раздора", около 1641-1642, Художественный
музей, Лилль). Интриги придворных художников
во главе с С.Вуэ побуждают Пуссена вернуться
в Рим.
Глава II Русские художники
XVII века
2.1. Зубов Алексей
Федорович
Сначала живописец при Оружейной палате,
с 1699обучался у Адриана Шхонебека «грыдоровать
гербы» (для гербовой бумаги). Для доказательства
своих познаний в гравировании, Зубов
уже в 1701 представил в Оружейную палату копию
с голландской Библии 1674, за подписью: «по фрески Сошествие Святого
Духа».
Зубов скоро стал искусным гравёром
и награвировал много больших
листов, в которых достиг высокой
техники. Огромный видСанкт-Петербурга,
выгравированный им на 8 досках, в пару
виду Москвы, награвированному Яном Бликландтом,
лучшее произведение Зубова. Ему также
принадлежат изображения морских сражений
(«Баталия при Гренгаме», 1721), празднеств
по случаю побед («Торжественное вступление
русских войск в Москву после победы под
Полтавой», 1711) и других важнейших событий
того времени. Парадную часть подобных
изображений Зубов дополнял точно переданными
жизненными деталями. Он создавал гравюры,
пользуясь чертежами и проектами зодчих,
например, М. Г. Земцова. Документальность
композиций совмещалась с декоративностью
гравированного листа и изображением
предполагаемых построек. Виды города
изображались художником «с птичьего
полета», что способствовало ощущению
масштабов грандиозных сцен - панорам
берегов Невы.
С 1714 года Зубов работал в Санкт-Петербурге.
Был старшим мастером при Санкт-Петербургской
типографии. После смерти Петра I, в царствование
Екатерины I, Зубов делает портрет императрицы
(1726, с оригинала И. Адольского), гравирует,
вместе с П. Пикартом, конный портрет Петра
(1726), исполняет по заказу А. Д. Меншикова
портреты жены и дочери «светлейшего»
князя - Д. М. и М. А. Меншиковых (1726). Осенью
1727 г. закрывается Санкт-Петербургская
типография, при которой Зубов состоял
с момента приезда в северную столицу.
После отставки он вынужден был, как и
его брат, превратиться в мастера народных
лубочных картинок. Художник пытался устроиться
в Гравировальную палату Академии наук,
но постоянную работу там так и не получил.
К 1730 г. он возвращается в Москву.
В старой столице Зубов по-прежнему
трудится очень интенсивно. В 1734 году
он создает портреты Петра I, Петра II и
Анны Иоанновны. Много работает по заказам
церквей и богатых горожан. Но вещи Зубова
этого времени показывают, сколь тонок
еще был слой новой культуры, сколь сильно
зависели русские художники от окружения,
сколь сильны еще были традиции допетровской
эпохи. Тому свидетельство - известный
«Вид Соловецкого монастыря» - огромная
гравюра, выполненная Зубовым совместно
с братом Иваном в 1744 году. Словно и не было
видов Петербурга, баталий, портретов.
Словно не было самой петровской эпохи.
Словно никогда не покидал Зубов Москвы
и Оружейной палаты. Последние известные
нам работы гравера датированы 1745 годом,
а последнее упоминание о нем - 1749-м. Умер
мастер в бедности и безвестности.
Последний лист, выгравированный Зубовым,
отмечен в 1741 году. Лучшие его портреты чёрной манерой:
«Екатерины I», «Петра I», двух княгинь
«Дарьи и Марьи Меншиковых» - чрезвычайно
редки; резцом - «Екатерины I», «Головина»
и «Стефана Яворского». У Ровинского («Русские граверы», М. 1870) приведён список 110 досок работы Зубова.
Некоторые доски сохранились до настоящего
времени и даже способны давать ещё хорошие
отпечатки.
2.2. Никитин Иван
Никитич
Родился в Москве, сын священника Никиты Никитина, служившего
в Измайлове, брат священника Иродиона
Никитина, позднее протопопа Архангельского
собора в Кремле, и живописца Романа Никитина.
Учился в Москве, по всей видимости,
при Оружейной Палате, возможно,
под руководством голландца Шхонебека в гравировальной мастерской. В1711 году переведен в Петербург, учился у Иоганна Таннауэра,
немецкого художника, который одним из
первых принял приглашение Петра Первогопереехать в Петербург учить перспективной живописи русских
художников. Быстро завоевывает авторитет
при дворе. В 1716-1720 на государственную пенсию, вместе со
своим братом Романом послан, в числе двадцати
человек, учиться в Италии, в Венеции иФлоренции. Он учился у таких мастеров, как Томмазо
Реди и И. Г. Дангауера. После возвращения
становится придворным художником. Так,
Никитину принадлежит портрет умирающего
Петра Первого. В 1732 году вместе с братом Романом, также художником,
был арестован по делу о распространении
пасквилей на Феофана Прокоповича.
После пяти лет предварительного заключения
в Петропавловской Крепости был бит плетьми
и сослан в Тобольск пожизненно. В 1741 году, после смерти Анны Иоанновны,
получил разрешение вернуться в Петербург.
Выехал в 1742 году и скончался по дороге.
Имеется всего три подписанных
работы Никитина, вместе с теми, что
ему приписываются, всего около
десяти. Ранние работы еще содержат
следы парсуны, бывшей единственным стилем портрета
в России в XVII веке. Никитин является одним
из первых (часто называется первым) русских
художников, отошедших от традиционного
иконописного стиля русской живописи
и начавших писать картины с перспективой,
так, как в это время писали в Европе. Тем
самым он является основателем традиции
русско
и т.д.................
В истории искусства России 17 век был периодом борьбы двух живописных школ и формирования новых жанров. Православная церковь все еще имела огромное влияние на культурную жизнь человека. Художники тоже испытывали некоторые ограничения в своей деятельности.
Иконопись
Во времена позднего Средневековья центром сосредоточения в России художников и ремесленников был Кремль, а точнее Оружейные палаты. Там трудились лучшие мастера архитектуры, живописи и других видов творчества.
Несмотря на стремительное развитие искусства по всей Европе, живопись в России в 17 веке имела только один жанр - иконопись. Художники вынуждены были творить под неусыпным надзором церкви, которая всячески противилась любым нововведениям. Русская иконопись сформировалась под влиянием живописных традиций Византии и имела к тому времени четко сформировавшиеся каноны.
Живопись, как и культура в России 17 века, была достаточно замкнутой в себе и развивалась очень медленно. Однако одно событие повлекло за собой полное реформирование иконописного жанра. При пожаре в 1547 года в Москве сгорело множество древних икон. Необходимо было восстанавливать утраченное. И в процессе главным камнем преткновения стал спор по поводу характера ликов святых. Мнения разделились, приверженцы старых традиций считали, что образы должны остаться символичными. В то время как художники более современных взглядов были за то, чтобы придать святым и мученикам большую реалистичность.
Разделение на две школы
В итоге живопись в России в 17 веке разделилась на два лагеря. В первом были представители "годуновской" школы (от имени Бориса Годунова). Они стремились к возрождению иконописных традиций Андрея Рублева и других средневековых мастеров.
Эти мастера работали над заказами для царского двора и являли собой официальную сторону искусства. Характерными чертами для этой школы были каноничные лики святых, упрощенные изображения толпы людей в виде множества голов, золотистые, красные и сине-зеленые тона. При этом можно заметить попытки художников передать материальность некоторых предметов. Годуновская школа наиболее известна своими настенными росписями в палатах Кремля, в Смоленском соборе, Троицком соборе.
Противоборствующей школой стала "строгановская". Название связано с купцами Строгановыми, для которых делалась большая часть заказов и которые выступали в качестве "спонсоров" в развитии живописи в России в 17 веке. Именно благодаря мастерам из этой школы и началось стремительное развитие искусства. Они первыми стали делать миниатюрные иконы для домашних молитв. Это способствовало их распространению среди простых граждан.
Строгановские мастера все больше и больше выходили за рамки церковных канонов и стали уделять внимание деталям окружения, внешнему виду святых. Так потихоньку стал развиваться пейзаж. Их иконы отличались красочностью и декоративностью, а трактовка библейских персонажей была ближе к образам реальных людей. Самые известные из сохранившихся произведений - иконы "Никита воин", "Иоанн Предтеча".
Ярославские фрески
Уникальным памятником в истории живописи 17 века в России являются фрески в церкви Пророка Ильи в Ярославле, над которыми работали художники из Оружейных палат. Особенностью этих фресок являются сцены из реальной жизни, которые преобладают над библейскими сюжетами. Например, в сцене с исцелением основную часть композиции занимает изображение крестьян во время жатвы. Это было первое монументальное изображение в бытовом жанре.
Среди этих фресок можно встретить сказочные и мифологические сцены. Они поражают своими яркими красками и сложной архитектурой.
Симон Ушаков
На каждом этапе культурного развития страны появляются свои значимые лица. Человеком, который продвинул живопись в России в 17 веке по новому направлению и способствовал ее частичному освобождению от религиозной идеологии, был Симон Ушаков.
Он являлся не только придворным живописцем, но и ученым, педагогом, богословом, человеком широких взглядов. Симон был увлечен западным искусством. В частности, его интересовало реалистичное изображение человеческого лица. Это хорошо заметно в его работе "Спас Нерукотворный".
Ушаков был новатором. Он первым из русских художников стал использовать масляную краску. Благодаря ему стало развиваться искусство гравюры на меди. Будучи тридцать лет главным художником Оружейной палаты, он написал множество икон, гравюр, а также несколько трактатов. Среди них "Слово к любителю иконного писания", в котором он изложил свои мысли о том, что художник должен, подобно зеркалу, правдиво отображать окружающий мир. Он придерживался этого в своих работах и обучал этому своих учеников. В его записях есть упоминания анатомического атласа, который он хотел написать и проиллюстрировать гравюрами. Но, судя по всему, он не был издан или же не сохранился. Главная заслуга мастера в том, что он заложил основы портретной живописи 17 века в России.
Парсуна
После значительных преобразований в иконописи, начал формироваться портретный жанр. Поначалу он выполнялся в иконописном стиле и получил название "парсуна" (от латинского - персона, личность). Художники все больше работают с живой натурой, и парсуны становятся более реалистичными, лица на них приобретают объем.
В этом стиле написаны портреты Бориса Годунова, царей Алексея Михайловича, Федора Алексеевича, цариц Евдокии Лопухиной, Прасковьи Салтыковой.
Известно, что при дворе работали и иностранные художники. Они тоже в значительной мере способствовали эволюции русской живописи.
Книжная графика
Книгопечатание тоже довольно поздно пришло на русские земли. Однако параллельно с его развитием популярность приобретали и гравюры, которые использовались в качестве иллюстраций. Изображения были как религиозного, так и бытового характера. Книжная миниатюра того периода отличается сложным орнаментом, декоративными буквицами, встречаются и портретные изображения. Большой вклад в развитие книжной миниатюры внесли мастера строгановской школы.
Живопись в России в 17 веке из высокодуховной превратилась в более мирскую и близкую к народу. Несмотря на противодействие церковных деятелей, художники отстояли свое право творить в жанре реализма.
Голландия. 17 век. Страна переживает небывалый расцвет. Так называемый «Золотой Век». В конце 16 века несколько провинций страны добились независимости от Испании.
Теперь простестанские Нидерланды пошли своим путём. А католическая Фландрия (нынешняя Бельгия) под крылом Испании – своим.
В независимой Голландии религиозная живопись почти никому стала не нужна. Протестанская церковь не одобряла роскошь убранства. Но это обстоятельство «сыграло на руку» живописи светской.
Любовь к этому виду искусства проснулась буквально у каждого жителя новой страны. Голландцам хотелось видеть на картинах собственную жизнь. И художники охотно шли им навстречу.
Ещё никогда окружающую действительность столько не изображали. Обычных людей, обыкновенные комнаты и самый заурядный завтрак горожанина.
Реализм процветал. Вплоть до 20 века он будет достойным конкурентом академизму с его нимфами и греческими богинями.
Этих художников называют «малыми» голландцами. Почему? Картины были маленькие по размеру, ведь они создавались для небольших домов. Так, почти все картины Яна Вермеера в высоту не более полуметра.
Но мне больше нравится другая версия. В Нидерландах в 17 веке жил и творил великий мастер, «большой» голландец. А все остальные по сравнению с ним были «малыми».
Речь идёт, конечно, о Рембрандте. С него и начнём.
1. Рембрандт (1606-1669 гг.)
Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669 г. Национальная Лондонская галерея Рембрандту довелось испытать широчайшую гамму эмоций в течение своей жизни. Поэтому в его ранних работах так много веселья и бравады. И так много сложных чувств – в поздних.
Вот он молод и беззаботен на картине «Блудный сын в таверне». На коленях – любимая жена Саския. Он – популярный художник. Заказы льются рекой.
Рембрандт. Блудный сын в таверне. 1635 г. Галерея старых мастеров, Дрезден Но все это исчезнет через каких-то 10 лет. Саския умрет от чахотки. Популярность растворится, как дым. Большой дом с уникальной коллекцией заберут за долги.
Но появится тот самый Рембрандт, который останется на века. Оголенные чувства героев. Их самые сокровенные мысли.
2. Франс Хальс (1583-1666 гг.)
Франс Хальс. Автопортрет. 1650 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк Франс Хальс – один из величайших портретистов всех времён. Поэтому я бы его тоже причислила к «большим» голландцам.
В Голландии в то время было принято заказывать групповые портреты. Так появилось множество подобных работ с изображением работающих вместе людей: стрелки одной гильдии, врачи одного городка, управляющие домом престарелых.
В этом жанре больше всех как раз выделяется Хальс. Ведь большинство таких портретов были похожи на колоду карт. Сидят себе за столом люди с одинаковым выражением лица и просто смотрят. У Халса же было по-другому.
Посмотрите на его групповой портрет «Стрелки гильдии св. Георгия”.
Франс Хальс. Стрелки гильдии св. Георгия. 1627 г. Музей Франса Хальса, Гарлем, Нидерланды Здесь вы не найдёте ни одного повторения в позе или выражении лица. При этом и хаоса здесь нет. Персонажей много, но лишним никто не кажется. Благодаря удивительно верной расстановке фигур.
Да и в одиночном портрете Хальс превосходил многих художников. Его модели естественны. Люди из высшего общества на его картинах лишены надуманного величия, а модели из низов не выглядят униженными.
А ещё его герои очень эмоциональны: они улыбаются, смеются, жестикулируют. Как, например, это «Цыганка» с лукавым взглядом.
Франс Хальс. Цыганка. 1625-1630 гг. Хальс, как и Рембрандт, закончил жизнь в нищете. По той же причине. Его реализм шел вразрез со вкусами заказчиков. Которым хотелось, чтобы их внешность приукрашивали. Хальс не шёл на откровенную лесть, и тем самым подписал себе приговор – «Забвение».
3. Герард Терборх (1617-1681 гг.)
Герард Терборх. Автопортрет. 1668 г. Королевская галерея Маурицхейс, Гаага, Нидерланды Терборх был мастером бытового жанра. Богатые и не очень бюргеры неспешно разговаривают, дамы читают письма, а сводница наблюдает за ухаживанием. Две-три тесно расположенные фигуры.
Именно этот мастер выработал каноны бытового жанра. Которые потом позаимствует Ян Вермеер, Питер де Хох и многие другие «малые» голландцы.
Герард Терборх. Бокал лимонада. 1660-ые года. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург «Бокал лимонада» – одна из известных работ Терборха. На ней видно ещё одно достоинство художника. Невероятно реалистичное изображение ткани платья.
Есть у Терборха и необычные работы. Что говорит о его желании выйти за рамки требований заказчиков.
Его «Точильщик» показывает жизнь самых бедных жителей Голландии. Мы привыкли видеть на картинах «малых» голландцев уютные дворики и чистые комнаты. А вот Терборх осмелился показать неприглядную Голландию.
Герард Терборх. Точильщик. 1653-1655 гг. Государственные музеи Берлина Как вы понимаете, такие работы не пользовались спросом. И они – редкое явление даже у Терборха.
4. Ян Вермеер (1632-1675 гг.)
Ян Вермеер. Мастерская художника. 1666-1667 гг. Музей истории искусств, Вена Как выглядел Ян Вермеер, достоверно не известно. Лишь очевидно, что на картине «Мастерская художника» он изобразил себя. Правда со спины.
Поэтому удивительно, что недавно стал известен новый факт из жизни мастера. Связан он с его шедевром «Улочка Делфта».
Ян Вермеер. Улочка Делфта. 1657 г. Государственный музей в Амстердаме Выяснилось, что на этой улице прошло детство Вермеера. Изображённый дом принадлежал его тётке. Она растила в нем своих пятерых детей. Возможно, это она сидит на пороге с шитьем, а двое ее детей играют на тротуаре. Сам Вермеер жил в доме напротив.
Но чаще он изображал внутреннюю обстановку этих домов и их обитателей. Казалось бы, сюжеты картин очень просты. Вот миловидная дама, обеспеченная горожанка, проверяет работу своих весов.
Ян Вермеер. Женщина с весами. 1662-1663 гг. Национальная галерея искусства, Вашингтон Чем же Вермеер выделялся среди тысяч других «малых» голландцев?
Он был непревзойденным мастером света. На картине «Женщина с весами» свет мягко обволакивает лицо героини, ткани и стены. Придавая изображенному неведанную одухотворенность.
А ещё композиции картин Вермеера тщательно выверены. Вы не найдёте ни одной лишней детали. Достаточно убрать одну из них, картина «рассыпется», и волшебство уйдёт.
Все это давалось Вермееру нелегко. Такое потрясающее качество требовало кропотливой работы. Всего 2-3 картины в год. Как следствие, невозможность прокормить семью. Вермеер работал ещё арт-дилером, продавая работы других художников.
5. Питер де Хох (1629-1884 гг.)
Питер де Хох. Автопортрет. 1648-1649 гг. Рейксмусеум, Амстердам Хоха часто сравнивают с Вермеером. Они работали в одно время, даже был период, что в одном городе. И в одном жанре – бытовом. У Хоха мы тоже видим одну-две фигуры в уютных голландских двориках или комнатах.
Открытые двери и окна делают пространство его картин многослойным и занимательным. А фигуры вписаны в это пространство очень гармонично. Как, например, на его картине «Служанка с девочкой во дворике».
Питер де Хох. Служанка с девочкой во дворике. 1658 г. Лондонская национальная галерея
До 20 века Хох ценился очень высоко. А вот малочисленные работы его конкурента Вермеера мало, кто замечал.
Но в 20 веке все изменилось. Слава Хоха померкла. Однако его достижения в живописи сложно не признать. Мало, кто мог так грамотно сочетать окружающую обстановку и людей.
Питер де Хох. Игроки в карты в солнечной комнате. 1658 г. Королевское художественное собрание, Лондон Обратите внимание, что в скромном доме на полотне «Игроки в карты» висит картина в недешевой раме.
Это в очередной раз говорит о том, как среди обычных голландцев была популярна живопись. Картины украшали каждый дом: и дом богатого бюргера, и скромного горожанина, и даже крестьянина.
6. Ян Стен (1626-1679 гг.)
Ян Стен. Автопортрет с лютней. 1670-ые гг. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид Ян Стен, пожалуй, самый веселый «малый» голландец. Но любящий нравоучения. Он часто изображал таверны или бедные дома, в которых водился порок.
Его главные герои – гуляки и дамы легкого поведения. Он хотел развлекать зрителя, но подспудно предостерегать его от порочной жизни.
Ян Стен. Кавардак. 1663 г. Музей истории искусства, Вена Есть у Стена и более спокойные работы. Как, например, “Утренний туалет”. Но и здесь художник удивляет зрителя слишком откровенными деталями. Тут и следы от резинки чулок, и не пустой ночной горшок. Да и как-то совсем не кстати собака лежит прямо на подушке.
Ян Стен. Утренний туалет. 1661-1665 гг. Рейксмусеум, Амстердам Но несмотря на всю несерьёзность, цветовые решения Стена очень профессиональны. В этом он превосходил многих «малых голландцев». Посмотрите, насколько красный чулок прекрасно сочетается с голубой курткой и ярко-бежевым половиком.
7. Якобс Ван Рейсдал (1629-1882 гг.)
Портрет Рейсдала. Литография из книги 19 века.
Среди множества русских и иностранных художников, творивших в России, выдающимися мастерами портрета в 18 веке можно смело назвать
А.П. Антропова, И.П. Аргунова, Ф.С. Рокотова, Д.Г. Левицкого, В.Л. Боровиковского.
На своих полотнах А.П. Антропов и И.П. Аргунов стремились изобразить новый идеал человека – открытого и энергичного. Жизнерадостность, праздничность подчеркивалась яркими красками. Сановитость изображаемых, их дородность передавалась с помощью красивой одежды и торжественных статичных поз.
А.П.Антропов и его картины
Автопортрет А.П.Антропов
В творчестве А.П. Антропова еще заметна связь с иконописью. Лицо мастер пишет слитными мазками, а одежду, аксессуары, фон – свободно и широко. Художник не «лебезит» перед благородными героями своих картин. Он рисует их такими, какими они есть на самом деле, какими бы чертами, положительными или отрицательными, они не обладали (портреты М.А. Румянцевой, А.К. Воронцовой, Петра ІІІ).
Среди наиболее известных работ живописца Антропова портреты:
- Измайлова;
- А.И. и П.А. Количевых;
- Елизаветы Петровны;
- Петра І;
- Екатерины ІІ в профиль;
- атамана Ф.Краснощекова;
- портрет кн. Трубецкой
И.П.Аргунов — художник портретист 18 века
И.П.Аргунов «Автопортрет»
Развивая концепцию национального портрета, И.П. Аргунов быстро и легко усвоил язык европейской живописи и отказался от старорусских традиций. Выделяются в его наследии парадные ретроспективные портреты, которые он написал с прижизненных изображений предков П.Б. Шереметева. В его творчестве предугадано и живопись следующего века. Он становится творцом камерного портрета, на котором огромное внимание уделяется высокой одухотворенности образа. Это и был интимный портрет, который стал более распространенным уже в ХІХ веке.
И.П.Аргунов «Портрет неизвестной в крестьянском костюме»
Самыми значимыми в его творчестве были изображения:
- Екатерины Алексеевны;
- П.Б. Шереметева в детстве;
- четы Шереметевых;
- Екатерины ІІ;
- Екатерины Александровны Лобановой-Ростовской;
- неизвестной в крестьянском костюме.
Ф.С.Рокотов — художник и картины
Новая фаза развития этого искусства связана с именем русского художника-портретиста — Ф.С. Рокотова. Игру чувств, изменчивость человеческого характера передает он в своих динамичных образах. Мир живописцу казался одухотворенным, такими выступают и его персонажи: многогранными, полными лиризма и человечности.
Ф.Рокотов «Портрет неизвестного в треуголке»
Ф.С.Рокотов работал в жанре полупарадного портрета, когда человек изображался по пояс на фоне архитектурных построек или пейзажа. Среди первых его работ — портреты Петра III и Григория Орлова, семилетнего князя Павла Петровича и княжны Е.Б. Юсуповой. Они нарядны, декоративны, красочны. Образы выписаны в манере рококо с его чувственностью и эмоциональностью. Благодаря работам Рокотова можно узнать историю его времени. Вся передовая дворянская элита стремилась быть запечатленной на полотнах кисти великого живописца.
Камерным портретам Рокотова свойственны: погрудное изображение, поворот к зрителю на ¾, создание объема сложной светотеневой лепкой, гармоничное сочетание тонов. С помощью данных выразительных средств художник создает определенный тип полотна, на котором изображались честь, достоинство, душевное изящество человека (портрет «Неизвестного в треуголке»).
Ф.С.Рокотов «Портрет А.П.Струйской»
Особенно замечательными получались у художника юношеские и женские образы, и даже сложился определенный рокотовский тип женщины (портреты А.П. Струйской, Е. Н. Зиновьевой и многих других).
Помимо уже упомянутых, славу Ф.С.Рокотову принесли работы:
- В.И. Майкова;
- Неизвестной в розовом;
- В.Е. Новосильцевой;
- П.Н. Ланской;
- Суровцевой;
- А.И. и И.И. Воронцовых;
- Екатерины ІІ.
Д.Г.Левицкий
Д.Г.Левицкий Автопортрет
Говорили, будто портреты Д.Г.Левицкого отразили весь век Екатерины. Кого бы ни изображал Левицкий, он выступал тонким психологом и непременно передавал задушевность, открытость, грусть, а также и национальные особенности людей.
Самые выдающиеся его работы: портрет А.Ф. Кокоринова, цикл портретов «Смолянки», портреты Дьяковой и Маркеровского, портрет Агаши. Многие работы Левицкого считаются промежуточными между парадными и камерными портретами.
Д.Г. Левицкий «Портрет А.Ф.Кокоринова»
Левицкий соединил в своем творчестве точность и правдивость изображений Антропова и лирику Рокотова, вследствие чего и стал одним из наиболее выдающихся мастеров XVIII века. Самые известные его работы — произведения:
- Е. И. Нелидовой
- М. А. Львовой
- Н. И. Новикова
- А. В. Храповицкого
- четы Митрофановых
- Бакуниной
В.Л.Боровиковский — мастер сентиментального портрета
Портрет В.Л.Боровиковского, худ. Бугаевский-Благодатный
Личность отечественного мастера этого жанра В.Б. Боровиковского связана с созданием сентименталистского портрета . Его миниатюры и портреты маслом изображали людей с их переживаниями, эмоциями, передавали неповторимость их внутреннего мира (портрет М.И. Лопухиной). Женские изображения обладали определенной композицией: женщина изображалась на природном фоне, по пояс, она опиралась о что-то, держа в руках цветы или фрукты.
В.Л.Боровиковский «Портрет Павла I в костюме мальтийского ордена»
Со временем образы художника становятся типичными для всей эпохи (портрет генерала Ф. А. Боровского), а поэтому художника еще называют историографом своего времени. Перу художника принадлежат портреты:
- В.А. Жуковского;
- «Лизанька и Дашенька»;
- Г.Р. Державина;
- Павла I;
- А.Б. Куракина;
- «Безбородко с дочерьми».
Для развития русской живописи XVIII век стал переломным моментом. Портрет становится ведущим жанром. Художники перенимают от своих европейских коллег технику живописи и основные приемы. Но в центре внимания оказывается человек со свойственными ему переживаниями и чувствами.
Русские портретисты старались не просто передать сходство, но и отразить на своих полотнах душевность и внутренний мир своих моделей. Если Антропов и Аргунов стремились, преодолев условности, правдиво изобразить человека, то уже Рокотов, Левицкий и Боровиковский пошли дальше. С их полотен смотрят одухотворенные личности, настроение которых уловили и передали художники. Все они стремились к идеалу, в своих произведениях воспевали красоту, но красота телесная была лишь отражением человечности и духовности, свойственных русскому человеку.
Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесьСемнадцатый век является расцветом феодального периода в России. В это время происходит укрепление феодально-крепостного строя и попутное зарождение буржуазных связей в недрах этого же строя. Быстрое развитие городов и общественности в целом привело к расцвету культуры. Живопись в 17 веке в России также обретала силу. Началось сосредоточение народных масс в крупных городах, что, в свою очередь, и было основной причиной столь стремительного развития культуры. Кругозор русских людей также расширило начало промышленного производства, которое заставляло внимательней присмотреться к дальним районам страны. Различные светские элементы проникают в живопись 17 века в России. Картины становятся все более популярными.
Воздействие церкви на искусство
Большую силу воздействия искусства, в частности живописи, осознавала и церковь. Представители духовенства старались держать под контролем написание картин, пытаясь подчинить их религиозной догматике. Преследованию подвергались народные мастера - живописцы, которые, по их мнению, отходили от установленных канонов.
Живопись в 17 веке в России все ещё была далека от реалистических тенденций и развивалась крайне медленно. На переднем плане все ещё было отвлечённо-догматическое и аллегорическое видение живописи. Иконы и росписи отличались перегруженностью мелкими сценамии и предметами вокруг главного изображения. Ещё характерными для того времени были пояснительные надписи на картинах.
Личность и картины 17 века
Описывая живопись в 17 веке в России, нельзя не упомянуть художника Симона Фёдоровича Ушакова, который является автором таких знаменитых картин, как «Спас нерукотворный», «Троица» и «Насаждение древа государства Российского». Примечательным явлением в живописи стал интерес к человеку как к личности. Об этом говорила распространившаяся портретная живопись 17 века в России.
Нужно отметить, что портрет стал достоянием народных масс только с середины 18 века, а до этого времени только близкие к верховной власти могли оставить о себе воспоминание на холсте художника. Некоторое количество парадных и декоративных картин создавалось для больших общественных помещений, таких как Академия художеств, Сенат, Адмиралтейство и Императорские дворцы. Портреты могли заказать и семьи, но не выставляли их напоказ, а оставляли в своём кругу. Они могли украшать даже небогатые петербургские квартиры представителей интеллигенции, которые старались следить за тенденциями и модой в обществе.
Влияние на русскую живопись западноевропейской культуры
Нужно отметить, что живопись в 17 веке в России сильно изменилась, особенно это касается портретной. На передний план стал выходить реальный мир с реальными судьбами и процессами. Все становилось более светским и жизнеподобным. Огромное влияние навевалось с запада. Эстетические вкусы запада постепенно начали перетекать и в Россию. Это касалось не только искусства в целом, но и таких художественных вещей, как посуда, кареты, одежда и многое другое. Стало популярным заниматься портретами как увлечением. Было модно привозить в подарок царю картины с изображением монархов. Вдобавок к этому и посланники были не прочь приобрести интересующие их портреты в мировых столицах. Уже чуть позже стало популярным подражать мастерству писания на холсте иностранных художников. Появляются первые «Титулярники», в которых изображены портреты иностранных и русских государей.
Несмотря на то что сопротивление некоторых кругов росло прямо пропорционально увеличению популярности народного искусства, сдержать движение уже было просто невозможно. Во второй половине столетия живопись в 17 веке в России набрала большие обороты. Одной из основных мастерских художественных центров стала в которой была написана не одна сотня картин двумя десятками мастеров под руководством Лопуцкого, Вухтерса и Безмина. В их работах отражались существовавшие противоречивые тенденции живописи. Часть картин была выполнена в официальном стиле, а другая часть - в западноевропейском.
Новизна в портретной живописи
Живопись в 17 веке в России изменила свой вид. Обрёл новую форму светский жанр - портрет. Основной темой искусства стал именно человек. Можно сделать вывод, что роль отдельной личности как человека возросла. Канонические «лики» отошли на второй план и уступили место житейским отношениям и личности в целом. Поэзии стал достоин реальный человек, а не только божественный или святой. Церемониальный портрет сошёл со сцены русского художества. Естественно, его влияние не закончилось и сегодня, но оно стало не столь значимым. В Петровский период он также находит себе место на русской земле, и даже существует наравне с европейским портретом.
Заключение
Так развивалась живопись 17 века в России. Кратко можно заключить, что именно в это столетие произошёл переломный момент в искусстве, повлиявший на культуру страны и её дальнейшее развитие.
